CRÓNICAS SELECTIVAS DEL 28º FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 2025 (3): EXPECTATIVAS FRUSTRADAS Y SERES DESORIENTADOS

Fachada del Teatro Cervantes, una de las sedes principales del Festival de Málaga

 

Si tuviéramos que encontrar algún tipo de nexo común que uniera a las películas que vimos en el Festival de Málaga en las jornadas de martes y miércoles, probablemente sería el de reunir a peronajes que han de arrastrar una carga de expectativas frustradas. "La realidad contra mí" podría ser el eslogan de muchos de los films que fueron proyectados.

Martes, 18 de marzo de 2025

Lo que queda de ti de Gala Gracia

 

 Arriba, cartel y fotograma de Lo que queda de ti

 

Sin duda alguna,  otra de las agradables sorpresas de la Sección Oficial. Película que se desarrolla en un entorno rural, nos cuenta cómo dos hermanas (una, pianista de jazz -Laia Manzanares-, que ha regresado desde Nueva York a su pueblo natal a raíz de la muerte de su padre, otra, que ha permanecido allí todo el tiempo -Ángela Cervantes-) que han de decidir qué hacer con la explotación agraria que han heredado. La hermana más cosmopolita, en contra de lo esperado, parece querer permanecer en el pueblo cuidando del rebaño de ovejas de la familia (en una especie de seguimiento de ese tema literario que se conoce con la expresión de "menosprecio de corte, alabanza de aldea"), algo que la otra hermana no llega a comprender. Y es que, en gran medida, el paso dado por el personaje de Laia Manzanares está más relacionado con un mal cerrado proceso de duelo y con el miedo a un desarraigo que le haga perder bases y referencias que a una decisión consciente bien meditada.

Arriba, rueda de prensa del equipo de Lo que queda de ti

Aunque se trata de una opera prima, se observa con claridad la experiencia de Gala Gracia en numerosos departamentos y campos (producción, casting, ayudante de dirección...) antes de emprender el rodaje de su primer largo, de modo que, no tratándose de una producción de gran presupuesto, el ritmo de la narración, la interpretación del reparto y la filmación de las escenas brillan a un más que excelente nivel, ofreciéndonos una propuesta más que interesante y que invita a una potente reflexión sobre los problemas del mundo rural, las visiones bucólicas e idílicas que nos podemos trazar sobre el mismo y sobre cómo, en muchas ocasiones, realizamos elecciones personales movidas más por nuestros recelos y temores que por nuestros auténticos deseos y preferencias. Un debut más que prometedor que invitan a seguir con atención la trayectoria de Gala Gracia en los próximos años.

 

Mazel Tov de Adrián Suar

 

 Arriba, cartel y fotograma de Mazel Tov

Dos comedias argentinas pudimos ver el martes que nos dejaron sabores de boca radicalmente diferentes. La primera, Mazel Tov, proyectada en la Sección Oficial Fuera de Concurso, cuenta con la realización y la interpretación del papel protagonista del actor, director, productor y guionista Adrián Suar. Adrián Suar ya estuvo en el Festival de Málaga 2013 con 2 + 2 de Diego Kaplan y en el del año 2017 con Me casé con un boludo de Juan Taratuto. Ahora, presenta una nueva, vamos a decir, comedia (ahora, matizaremos esta afirmación) que se desarrolla en el seno de la comunidad judía de Buenos Aires. Adrián Suar interpreta a un argentino que intenta abrirse paso empresarialmente en Estados Unidos pero que recibe inesperadamente la noticia de la muerte de su padre, teniendo que volver de regreso a su país. Allí, se encontrará con todas las tensiones familiares larvadas y acumuladas, siendo su visita de todo menos calmada.

Adrián Suar durante la presentación de Mazel Tov en el Festival de Málaga

 

Aunque Mazel Tov (expresión de la lengua hebrea que podría traducirse como "gran contento" o "gran alborozo") empieza con un tono evidente de comedia, poco a poco va girando hacia un punto mucho más dramático e intenso, conforme van aflorando los conflictos ocultos que acaban explotando de forma abrupta. La película, con la inestimable ayuda del guion de Pablo Solarz, logra eludir todas las vulgaridades en los que suele incurrir en excesivas ocasiones la comedia actual y nos ofrece una propuesta de gran dignidad que, sin evitar la sonrisa, tampoco evita ácidas y contundentes reflexiones que posibilitan chocantes e incómodos matices en el argumento. Hemos hablado con Adrián Suar y hemos profundizado en numerosos aspectos del film. Si quieren acceder a la conversación, pueden acceder a ella a través del siguiente enlace:

 

CONVERSACIÓN CON ADRIÁN SUAR

 

Culpa cero de Valeria Bertuccelli y Mora Elizalde 

 

 Arriba, cartel y fotograma de Culpa cero

 

 

Si Mazel Tov ofrece un buen nivel, todo lo contrario sucede con Culpa cero, que es la película más floja que hemos visto hasta ahora en la Sección Oficial. Protagonizada por Valeria Bertuccelli, que ya estuvo en Málaga en 2012 con La suerte en sus manos de Daniel Burman, en el de 2017 con Me casé con un boludo de Juan Taratuto y en el de 2018 con La reina del miedo, codirigida por ella misma y Fabiana Tiscornia (y con la que ganó la Biznaga de Plata a la mejor actriz), en esta ocasión naufraga con una película que, partiendo de una idea que no es mala (una autora de best seller que no es la que escribe sus propios libros sino que cuenta con una ayudante que es quien lo hace), es desarrollada con torpeza con una trama que resulta caótica y que no logra llegar a atrapar con solidez la atención del espectador. Con algún momento brillante y un desenlace que sí que es más que satisfactorio, Culpa cero podría dar más de sí pero una ejecución deficiente lo impide por completo.

 

Sugar Island de Johanné Gómez Terrero

 

 Arriba, cartel y fotograma de Sugar Island

 

Sin duda alguna,  Sugar Island es la película que, tanto dese el punto de vista visual como narrativo, es la más audaz e innovadora de todas las que hemos visto hasta ahora en todo el certamen. Ayuda a ello que provenga de la República Dominicana (país homenajeado este año en el Festival), una nación que podemos decir que está inventando su cine y que, en consecuencia, tiene la posibilidad de ofrecer nuevas formas y contenidos. Sugar Island, utilizando códigos, lenguajes y estructuras diferentes a las acostumbradas, nos habla de la población negra del país, de origen africano. La película, a través del argumento de una chica joven soltera que se queda embarazada y que se debate entre tener el bebé o abortar, a la vez que conocemos los problemas de la familia, cuyos miembros trabajan en una explotación azucarera, profundiza, por un lado, en el origen de toda la población de raza negra, llevada a la isla con la intención de que trabajaran como esclavos en las plantaciones de azúcar y, por otra, en el sustrato e idiosincrasia cultural y religiosa de dicha población, con sus costumbres y creencias propias. Con un cromatismo desbordante y exuberante, Sugar Island es una película impactante desde el punto de vista visual que dejará a cualquier espectador una huella imborrable y difícil de olvidar.

 

Miércoles, 19 de marzo de 2025

El casero de Matías Lucchesi

 

 Arriba, cartel y fotograma de El cartero

 

 

En la Sección Oficial Fuera de Concurso, se proyectó la película argentina El casero, dirigida por Matías Lucchesi, una película que, del mismo modo qu hice con la coreana Parásitos (2019) de Bong Joon-ho,  podría calificar como "vodevil sociológico". Porque, a partir de todos los enredos que se van sucediendo, se desprende un análisis certero y cáustico de determinadas realidades y circunstancias sociales. Dos hermanos (Paolo Barrientos y Alfonso Tort) heredan la finca de su padre y la hermana, tras contactar con unos inversores, toma la iniciativa para proceder a la venta de la misma. Sin embargo, cuando llegan al lugar, descubren que el encargado (al que conocen desde pequeños) lleva años sin cobrar por su trabajo, lo cual puede impedir la venta que quieren realizar. Todo se va complicando poco a poco hasta que la situación llega a un extremo de tensión insoportable.

Matías Lucchesi, director de la película argentina El casero

El casero tiene en su desarrollo una presencia significativa de situaciones lindantes con lo absurdo y encierra una aguda moraleja sobre la debilidad de las estructuras sociales a pesar de su aparente solidez e inamovilidad, temas que conectan con el teatro de Ionesco y con el de Harold Pinter, dos autores a los que se hace referencia sutilmente a lo largo de la trama. Hemos hablado con el director argentino Matías Lucchesi sobre todos estos aspectos del film y pueden acceder a dicha conversación a través del siguiente enlace:

CONVERSACIÓN CON MATÍAS LUCCHESI

 

La furia de Gemma Blasco

Conocíamos con anterioridad dos trabajos de la joven directora Gemma Blasco: el corto Jauría, que pudimos ver en el Festival de Málaga 2018, y el largometraje El zoo, que participó en el Atlántida Film Fest 2019. En relación a esta última, escribí: "su primer largometraje, El zoo, [es] una estimulante propuesta que tiene todo aquello que debe tener, en nuestra opinión, una opera prima: audacia, atrevimiento, riesgo y afán por explorar caminos nuevos y desconocidos", No solo ahí quedó el afán de riesgo de Gemma Blasco quien, ahora, en su segunda película, proyectado en la Sección Oficial del certamen, eleva su apuesta y nos ofrece una impactante película desde el punto de vista visual, narrativo e interpretativo. Ángela Cervantes es una chica que, en una fiesta de fin de año, sufre una violación.  Cuando se lo comunica a su hermano (Álex Monner), este reacciona de manera extraña, más preocupado por hacer reproches a su hermana y por querer encontrar al culpable que en atender al estado emocional en el que ella se encuentra.

 

Rueda de prensa del equipo de La furia

En la rueda de prensa posterior a la proyección de la película,  Gemma Blasco admitió que le interesaba el tema de la violencia (violencia que no solo está presente en la trama, sino que se transmite a los aspectos visual, interpretativo y de montaje de su último film), el cual ya abordó en su corto Jauría, y que el tema del teatro, sobre el que giraba El zoo, lo ve como una vía de canalización de determinadas experiencias y sentimientos. Ambos proyectos convergen en La furia en la medida en que están presentes la violencia, como ya hemos explicado, y el mundo del teatro, en la medida en que el personaje de Ángela Cervantes desea ser actriz y llega a ser admitida en un montaje de Medea de Eurípides. En suma, La furia es una propuesta audaz, rompedora y atrevida que confirma a Gemma Blasco como una de las realizadoras más interesantes del panorama cinematográfico español actual.

 

Todo lo que no sé de Ana Lambarri Tellaeche

 

También en la Sección Oficial, asistimos a otra opera prima de una joven directora, en este caso la vasca Ana Lambarri Tellaeche. Todo lo que no sé está protagonizada por la actriz Susana Abaitua que se enfrenta al personaje más complejo hasta el momento de toda su carrera, interpretando a Laura, una ingeniera informática que se encuentra con que su proyecto se halla bloqueado por un error en el software que no acaba de identificar y resolver. Ante la parálisis, ha de trabajar como dependienta a la vez que tiene que compartir con su hermana las tareas de atención a su padre, que se encuentra enfermo de cáncer y ha de sobrellevar una pésima relación con su novio (Francesco Carril). Los problemas de Laura no solo se centran en las circunstancias que ha de soportar sino en sus dificultades para comunicarse y expresar y verbalizar sus problemas.

 

Imágenes de la rueda de prensa del equipo de Todo lo que no sé. Susana Abaitua intervino online debido a sus compromisos teatrales en Madrid

No acabé de conectar con Todo lo que no sé porque pienso que le ocurre lo mismo que a otros títulos de prestigio como El pasado (2013) y El viajante (2016) de Asghar Farhadi o Cinco lobitos (2022) de Alauda Ruiz de Azúa en la que los dilemas nacen de un conjunto de circunstancias perfectamente diseñadas para encerrar a sus personajes en una encrucijada insalvable, del mismo modo que si creáramos un laberinto de metacrilato para encerrar en él a un hámster que no haría otra cosa que dar vueltas en unos pasillos transparentes que hemos fabricado de modo que no conduzcan a ninguna parte. Susana Abaitua y todo el reparto (además del ya citado Francesco Carril, Natalia Huarte, Ane Gabarain, Stéphanie Magnin, Andrés Lima, Iñaki Ardanaz y Fran Cantos) están excelentes y la película está muy bien filmada y montada pero echo de menos mayor naturalidad, fluidez y sencillez en la narración.

 

Violentas mariposas de Adolfo Dávila

 

 Arriba, cartel y fotograma de Violentas mariposas

 

"Cuando la justicia no existe, la venganza es un acto de fe". Eso es lo que expresa el protagonista de la mexicana Violentas mariposas (Alejandro Porter), un poeta y grafitero cuyo padre, periodista, ha sido asesinado y que está profundamente disconforme con la realidad de su país y con la actitud de quienes mantienen una postura crítica hacia la misma. Su vida dará un giro radical cuando conozca a una banda punk liderada por una joven carismática y atractiva (Diana Laura Di) de la que se acabará enamorando. Sin embargo, una noche, la situación idílica que parecen vivir, se vendrá abruptamente abajo. Violentas mariposas incide en el estado de violencia que sufre México por los cárteles del narcotráfico y por la corrupción de las fuerzas policiales y realiza un retrato nada complaciente con la coyuntura del país y con la posición de los diversos grupos en liza, todo ello narrado con brío, agilidad y contundencia.

 

 

Rueda de prensa del equipo de Violentas mariposas

 

En la rueda de prensa posterior a la proyección de la película, su director, Adolfo Dávila, comentó que eligió una estética moderna y rompedora (cercana al estilo de los videoclips) porque quería remarcar con fuerza que se trataba de una historia de ficción. Si elegía una estética cercana al realismo, al naturalismo o al costumbrismo, pensó que podía estar dando legitimidad a la historia de venganza que relata la película y que tenía, en consecuencia, dudas morales sobre cómo presentar la misma. Con independencia de los criterios que marcaron esta decisión, ello posibilita que Violentas mariposas logre enganchar desde sus primeros instantes al espectador y que las actuaciones musicales de la actriz protagonista (Diana Laura Di) encajen de forma prácticamente natural con la estética con que las mismas están presentadas, convirtiendo a este film en una pieza que, aunque no aporta elementos especialmente innovadores, sí sabe ofrecer una propuesta tan potente en los cinematográfico como contundente y feroz en el plano social y político, una película que no deja indiferente y que es una confirmación de los excelentes títulos que nos llegan desde México con abundante frecuencia.

Paco Rabanne. Una vida fuera de patrón de Pepa G. Ramos y Tirma Pérez

 

Arriba, cartel y fotograma de Paco Rabanne. Una vida fuera de patrón

 

En la Sección Documentales - Pases Especiales, hemos podido ver Paco Rabanne. Una vida fuera de patrón de Pepa G. Ramos y Tirma Pérez, película que ofrece una clarificadora visión de la vida y de la importancia como creador de ese modisto español que, por haber trabajado a lo largo de toda su vida en París, no tiene en España todo el reconocimiento que se merece, a pesar de que se sintió español toda su vida. Además de recoger la última entrevista que el equipo de la película pudo realizar a Paco Rabanne a través de una llamada telefónica (y salvando la resistencia que el modisto ofreció para conceder la misma), la película detalla toda su biografía, las circunstancias de su trabajo (revelando que la compañía Paco Rabanne no le pertenecía a él y que optó por esa denominación para beneficiarse del prestigio asociado a su nombre) y, sobre todo, explica los motivos de la importancia de sus creaciones en la historia de la moda, ahondado en la transición entre el mundo de la alta costura anterior a 1968 y el nacimiento posterior del prêt-à-porter. En definitiva, un documental más que recomendable que expone con claridad y rigor los pelos y señales de un mundo del que solo conocemos sus fastos y oropeles pero no los detalles que se esconden tras su vistosa apariencia.

 

El poeta del corazón de Rafael Alcázar 

 Arriba, cartel y fotograma de El poeta del corazón

 

Sin duda alguna, otro de los momentos más importantes desde el punto de vista cultural que ha ofrecido el Festival de Málaga 2025 ha sido el estreno en la Sección Documentales - Pases Especiales de El poeta del corazón,, que reconstruye la figura del poeta Vicente Aleixandre desde el punto de vista de su biografía, su obra y su vertiente vital y emocional.  A pesar de haber perdido la visión hace unos años, el director Rafael Alcázar ha sido capaz de ofrecernos varios documentales en los últimos años y, en este que nos ocupa, lleva a cabo una exhaustiva recopilación de datos para que conozcamos todos los pormenores de un autor que llegó a ganar el Premio Nobel de Literatura en 1977 pero que, en la actualidad, parece estar sufriendo un relativo olvido, a pesar de su importante obra creativa, de su condición de aglutinador de toda la generación del 27 y de mentor de buena parte de las generaciones poéticas de posguerra. Hemos hablado con Rafael Alcázar y, a través del siguiente enlace, pueden acceder al podcast de la conversación que hemos mantenido con él: 

CONVERSACIÓN CON RAFAEL ALCÁZAR

 

 

Rafael Alcázar, durante la presentación de su documental en el Auditorio Christine Ruiz-Picasso del Museo Picasso de Málaga

 

CODA: Vivimos en la era de la insatisfacción permanente, insatisfacción que abarca todos los campos de la actividad humana que podamos imaginar: el sentimental, el social, el económico, el político, el cultural... Insatisfacción que es fruto de tensiones que pueden dar lugar a fenómenos de alcance imprevisible. ¿Dónde radical el problema?¿En un orden incapaz de atender a las cuestiones más esenciales que el ser humano necesita?¿O a un exceso de expectativas que la realidad no puede ser capaz de satisfacer?¿O a una combinación de ambos factores? Las respuestas no son sencillas y las películas que hemos visto no hacen más que confirmarlo.